COMO FAZER
UM FILME NA
PANDEMIA

Hannah Takes the Stairs é o filme emblema do movimento Mumblecore. Neste filme, um grupo de atores e diretores, incluindo Andrew Bujalski, Mark Duplass, Joe Swanberg, Greta Gerwig, entre outros nomes que, muito mais tarde, se tornariam figuras de destaque no atual cinema hollywoodiano; se juntaram em uma casa para morar e improvisar um filme de ficção. Cada um acumulou diferentes funções e assinam em conjunto a autoria do filme.

Baghead é uma meta-exploração do processo criativo como ferramenta de realização. Um grupo de amigos se isolam em uma cabana de veraneio para escrever o roteiro de um filme de terror. O filme é a improvisação desta premissa, com atores-roteiristas improvisando personagens reais-fictícios, num processo criativo aparente para o espectador. O que é roteiro e o que não é? O estilo visual com zooms, cortes bruscos e diálogos retalhados formam um mosaico de ficção misturado com realidade.

Longa-metragem de estreia do então estudante de cinema Ramon Zürcher (seu filme de tese na dffb [Escola de Berlim] na Alemanha) The Strange Little Cat é certamente um desses raros filmes sobre o agora. O filme acompanha um momento de encontro na casa de uma família alemã, com nada mais do que interações e situações banais construindo a narrativa, em uma estética minimalista e um naturalismo vívido. O filme integra o que eles chamam de Mumblecore Berliner, o eco alemão de um novo cinema independente.

Primeiro filme da diretora americana Eliza Hittman é um estudo, táctil, dos desejos e da curiosidade adolescente. O filme constrói uma narrativa oxigenada de naturalismo e observação, em um estilo que evita sentimentalismos e quebra com estatutos da ficção.

Pensando no novíssimo Cinema Brasileiro, é possível aproximar uma boa parte da nossa produção recente, pós-revolução digital e políticas de fomento, aos movimentos estrangeiros desta mesma época, inclusive o mumblecore. Em um contexto de reconfigurar a realidade como uma chave narrativa, “Ontem Havia Coisas Estranhas no Céu” conta, a partir do ponto de vista do diretor Bruno Risas, o recorte de vida de sua própria família, misturando documentário e ficção, usando também cenas de bastidores. “Enquanto vivíamos, filmávamos; e enquanto filmávamos, inventávamos nossa própria vida. Logo todes estariam atrás e diante da câmera, partilhando ideias durante as filmagens, as refeições e os descansos. A ficção nos permitiu reinterpretar a vida e performar nossa condição ou nosso desejo contido. Permitiu conectar fios invisíveis, aproximar tempos e atravessar dicotomias, reconfigurando nossa própria existência. Equivaler a grande História e a nossa pequena história; equivaler o documental e o ficcional; o real e o inventado; o espontâneo e o encenado; o absurdo da ficção científica e o absurdo da própria vida cotidiana. Se estamos condenados a esse presente, que possamos reinventá-lo, nem que seja por um instante. Como Viviane, minha mãe, diz no filme ‘tudo é igual, mas nada é igual; é um gesto que muda, um jeito de olhar. De repente, a gente já sabe de coisas demais.’”

O diretor e ator mineiro de Contagem, André Novais de Oliveira, depois de fazer sucesso como curta-metragista, dirige seu primeiro longa metragem (e aqui coloca sua família para interpretar papéis "cuja semelhança com a realidade é só mera coincidência", como dizem os créditos finais). A trama acompanha um casal de idosos que está se separando depois de décadas de casamento, e os protagonistas são o próprio diretor, o irmão Renato, a mãe Maria José e o pai Norberto, em uma história pessoal passada na casa do próprio diretor.

Comparado aos filmes do movimento Dogma 95, La Nana traz a atriz de televisão Catalina Saavedra interpretando a empregada de uma casa de classe média, misturando atores e não-atores em uma dinâmica de classes e relações familiares que o diretor filmou na própria casa que cresceu, ficcionalizando uma empregada real que ele teve na infância, com o mesmo nome de Raquel. O filme venceu os prêmios de melhor filme de ficção e atriz no Festival de Sundance.

Funny Ha Ha é o primeiro e seminal filme de Andrew Bujalski, que trouxe um sopro de vigor para a cena independente americana no início dos anos 2000, com seus diálogos naturalistas, suas quebras de convenções e o estilo fragmentado da narrativa. O filme foi filmado em 16mm, o que o torna ainda mais interessante e desafiador quando se pensa em processo de realização. Confiram a conversa ao vivo que teremos com o diretor durante a mostra.

Os dois primeiros filmes de Andrew Bujalski, tanto Funny Ha Ha, quanto Admiração Mútua, trazem um naturalismo até então pouco visto. Filmados em 16mm, o que torna esta façanha ainda mais interessante, trazem ambos, a sensação de se estar sentado em um quarto, vendo seus amigos conversando enquanto você filma mentalmente algo palpável, acontecendo agora, na sua frente.

O filme acompanha a vida de Murilo em uma jornada de trabalho e relacionamentos por Minas Gerais, e por onde passa rege a dúvida no espectador, se o que presenciamos, é realmente ficção ou documentário. Esse jogo híbrido cria uma nova relação de realidade pro espectador, um novo jogo de percepção e uma nova grandeza de relação emocional com o filme.

3/4 apresenta um estudo meticuloso do tempo e das relações humanas, com um olhar agudo para as imperfeições e para a domesticidade que compõem a realidade de uma família comum. A experiência do diretor com documentários lhe dá plena segurança para brincar com seus não-atores e os espaços que eles habitam, sem se preocupar com o tempo das cenas, deixando que a narrativa ande num misterioso amálgama de cenas que podem ou não ter sido encenadas. O filme ganhou o Leopardo de Ouro no festival de Locarno.

"Baronesa" é o nome do bairro menos violento onde Andreia deseja morar, é também um título na hierarquia nobiliárquica que definiu espaços e relações na organização da sociedade nas cidades brasileiras. A amiga Leidiane a escuta, compondo a reflexão dos projetos de expansão de horizontes da amiga, em meio à sobrevivência em uma realidade que as cerceia. O longa-metragem de Juliana Antunes aborda a relação entre essas mulheres, numa comunidade em que os nomes femininos batizam periferias. Com calma no estabelecimento do olhar sobre as situações filmadas e tempo de conversas e escuta, se debruça sobre o cotidiano, os desafios e os anseios de indivíduos que tentam dar conta do recado em meio a realidades descontínuas.

É do Capão Redondo, periferia de São Paulo, que emerge a história do “Filme de Domingo”. Lincoln Péricles é o artista guerrilheiro do audiovisual paulista, um expoente do “No-excuses” Cinema, que faz cinema, não importa como. E seus filmes são o reflexo dessa versatilidade, desse fluxo de criação dominando a forma.